Visita del curador a la Galería de Escultura Egipcia del Museo Británico

Visita del curador a la Galería de Escultura Egipcia del Museo Británico


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Ahora puede ver 4 millones de artículos en la colección en línea del Museo Británico

Con objetos como la piedra de Rosetta y las esculturas del Partenón en su colección, el Museo Británico de Londres se ha ganado un lugar en muchas listas de deseos. Pero como muchas instituciones culturales en todo el mundo, el museo está cerrado al público debido a la pandemia de COVID-19. Y aunque eso es una mala noticia para cualquiera que tenga planes de visitar el museo en persona, es una buena noticia para el resto de nosotros: en medio del cierre, el museo ha ampliado su colección en línea para incluir casi 4,5 millones de objetos.

Prácticamente puede recorrer estos más de 500 museos y galerías desde su sofá

El distanciamiento social significa que todos pasamos mucho más tiempo en casa, cancelando o reprogramando ...

Cómo buscar objetos específicos

No solo hay más elementos disponibles para su visita virtual, sino que el museo también ha vuelto a desarrollar la función de búsqueda en línea, lo que facilita mucho la búsqueda de objetos específicos. Incluso ofrece sugerencias a medida que escribe. Y con una colección de elementos que abarcan dos millones de años de historia y prehistoria reunidos en seis continentes, tener una función de búsqueda más intuitiva es realmente útil. El museo también proporciona instrucciones para realizar su búsqueda:

Empiece a escribir en el cuadro de búsqueda.

A medida que escribe, aparecerán sugerencias de búsqueda a continuación para ayudarlo a encontrar lo que está buscando.

Seleccione una de las sugerencias o presione Intro para realizar una búsqueda.

Si desea buscar una frase u oración, agréguela entre comillas, por ejemplo, "chapado en oro".

Después de realizar una búsqueda, obtendrá un conjunto de resultados que puede filtrar para delimitar y encontrar lo que busca.


King Tut: una exposición de museo de gran éxito de taquilla que comenzó como un gesto diplomático

Primer plano de una estatua dorada de Tut con la corona del Bajo Egipto.

© Imágenes de África Photobank / Alamy

El presidente Richard Nixon se aferró a la barandilla de bronce de un vagón de salón victoriano, asomándose por la ventana y saludando a la multitud que lo vitoreaba. El tren zumbaba de El Cairo a Alejandría, pasando por campos de algodón, naranjales y búfalos de agua. La fecha era el 13 de junio de 1974, y de regreso en Washington, D.C., el Comité Judicial de la Cámara de Representantes esperaba con impaciencia que la Casa Blanca entregara cintas de conversaciones grabadas en la oficina de Nixon. El comité quería saber qué sabía Nixon sobre el robo de Watergate.

La gente se alinea en el borde del National Mall, esperando ver "Treasures of Tutankhamon" en la National Gallery en febrero de 1977.

En este pectoral, a un escarabajo hecho de calcedonia amarillo verdosa le crecen alas de halcón mientras sus patas delanteras sostienen la luna representada por el "Ojo de Horus".

© CULTNAT, Dist. RMN-GP / Art Resource, Nueva York

En el tren junto a Nixon estaba Anwar Sadat, el presidente de Egipto, con quien estaba a punto de firmar un acuerdo bilateral. Negociado por Henry Kissinger, secretario de Estado de Nixon, representó un paso adelante en la creación de una nueva asociación entre los dos países después de la terminación de las relaciones diplomáticas siete años antes. Incluida en el acuerdo había una cláusula dedicada a la cultura. Estados Unidos ayudaría a los egipcios a reconstruir la ópera de El Cairo, mientras que Egipto enviaría los "Tesoros de Tutankamón" a Estados Unidos.

Después de unos años explosivos en el Medio Oriente, Richard Nixon quería que el pueblo estadounidense asociara a Egipto con algo más que el petróleo y la guerra. Hay pocas cosas que sobreviven del mundo antiguo más convincentes o cautivadoras que los artefactos de Tutankamón, el niño rey que gobernó Egipto hace treinta y tres siglos. Al enviar sus tesoros de gira por Estados Unidos, Nixon y Kissinger esperaban moldear las percepciones del público sobre el nuevo aliado de Estados Unidos. Lo que obtuvieron fue un monstruo cultural.

Desde noviembre de 1976 hasta abril de 1979, "Treasures of Tutankhamon" viajó a seis ciudades estadounidenses con la ayuda de subvenciones de NEH. Mientras millones de personas se alineaban durante horas para ver el espectáculo, los museos se convirtieron en las entradas más populares de la ciudad, lo que ayudó a marcar el comienzo de la era de la exhibición de museo de gran éxito.

El descubrimiento que cautivó al mundo

Tutankamón, más conocido como el rey Tut, ha desempeñado un papel enorme en nuestra imaginación cultural desde que el arqueólogo Howard Carter y su mecenas, el quinto conde de Carnarvon, abrieron su tumba en noviembre de 1922.

Durante años, Carter había estado excavando en el Valle de los Reyes, el antiguo lugar de enterramiento de los faraones de Egipto, en busca de Tut. Casi listo para dejarlo, Carnarvon acordó apoyar a Carter durante una última temporada. Carter decidió concentrar sus esfuerzos en una pequeña parcela de tierra alojada entre las tumbas de Ramsés II, Merneptah y Ramsés VI. Allí se habían descubierto cabañas que podrían haber pertenecido a los trabajadores que construyeron la tumba de Ramsés VI. Por lo que Carter sabía sobre las prácticas funerarias egipcias, parecía poco probable que a los trabajadores se les hubiera permitido acampar en la tumba de un faraón, pero era el único lugar que quedaba para buscar.

El segundo día de excavación, los trabajadores de Carter descubrieron una capa de astillas de pedernal, que a menudo significaba la presencia de una tumba. En la mañana del cuarto día, encontraron el comienzo de una escalera. Terminó en una puerta que tenía los sellos de la necrópolis real. Aprovechando cada gramo de autocontrol que poseía, Carter ordenó a sus trabajadores que rellenaran la escalera con escombros y luego apostaron guardias. Un faraón podría estar detrás de la puerta, pero descubrirlo tendría que esperar hasta que Carnarvon llegara de Gran Bretaña.

Después de una serie de transbordadores, trenes, barcos y burros, Carnarvon llegó al Valle de los Reyes el 20 de noviembre. Los trabajadores retiraron los escombros al día siguiente. Aparecieron sellos pertenecientes a Tutankamón y se habían hecho agujeros en la puerta. El corazón de Carter se hundió. Los arqueólogos habían localizado más de treinta tumbas reales desde el siglo XIX, solo para descubrir que los ladrones de tumbas las habían saqueado todas primero. ¿Y si la tumba de Tut también hubiera sido saqueada? Más allá de la puerta había un pasillo estrecho de siete metros y medio de largo. También mostraba signos de manipulación. Mientras los trabajadores limpiaban los escombros, apareció otra puerta, también sellada y reparada.

El 26 de noviembre, Carter hizo un agujero en la puerta y se asomó al interior. “Al principio, no podía ver nada, el aire caliente que escapaba de la cámara hacía que la llama de la vela parpadeara, pero luego, cuando mis ojos se acostumbraron a la luz, los detalles de la habitación dentro emergieron lentamente de la niebla, animales extraños, estatuas, y oro, en todas partes el brillo del oro ”, escribió en su relato del descubrimiento.

Carter había encontrado la antecámara de la tumba de Tut. Los artefactos invaluables yacían revueltos por todas partes: tronos, cajas, jarrones, carros, estatuas, armas y más. Los ladrones de tumbas probablemente crearon el desastre, ya que ningún faraón habría entrado en la otra vida en medio de tal desorden.

Al darse cuenta de que necesitaba ayuda, Carter se puso en contacto con el Museo Metropolitano de Arte, que tenía un equipo trabajando en el valle. En particular, quería los servicios del fotógrafo Harry Burton. “Estoy encantado de poder ayudar de cualquier manera posible. Llame a Burton y a cualquier otro miembro de nuestro personal ”, cablegrafió A. M. Lythgoe, curador de arte egipcio del Met. Mientras Carter excavaba, Burton fotografió su progreso, proporcionando un relato histórico e íntimo del proceso.

La multitud de reporteros que presenciaron la apertura de la tumba de Tut hizo que el descubrimiento fuera noticia de primera plana y que este faraón, una vez oscuro, se convirtiera en una celebridad. Pero la antecámara fue solo el comienzo. Carter encontró tres habitaciones más (anexo, cámara funeraria y tesorería) repletas de tesoros dorados. Se necesitaría más de una década para excavar la tumba de Tut, pero Carnarvon no vivió para ver los resultados. En abril de 1923, el conde murió de complicaciones por la picadura de un mosquito infectado. Su prematura muerte, junto con la desaparición de otros miembros de la expedición, inspiró espeluznantes relatos sobre la "Maldición del Faraón".

Una gran cantidad de misterio rodeaba al hombre de la tumba. Tut reinó durante nueve (o diez) años durante la décimo octava dinastía del Imperio Nuevo, un período de prosperidad imperial para Egipto. Ascendió al trono a la edad de nueve años, tomando como esposa a Ankhesenamun, su media hermana y la hija de Nefertiti. La pareja tuvo dos hijas, ambas nacieron muertas. Sus fetos fueron encontrados en la tumba de Tut. El niño-rey también poseía un pie izquierdo torcido, lo que probablemente requería que usara un bastón.

Su corta vida ha dado lugar a continuas especulaciones sobre la causa de su muerte. Algunos han denunciado asesinato. Otros creen que murió tras un accidente de carro. Los hallazgos más recientes sugieren que un cóctel genético agrio, causado por los matrimonios entre la realeza egipcia, produjo una constitución enfermiza, aún más comprometida por la malaria.

Arreglos políticos

Durante el otoño y el invierno de 1974 a 1975, el Departamento de Estado negoció con los egipcios. Se decidió que la exposición comenzaría en 1976 y serviría como un regalo de amistad de Egipto a los Estados Unidos durante el año del bicentenario.

La inclusión de una muestra de Tut en el acuerdo Nixon-Sadat trastocó los planes de la Galería Nacional de Arte en Washington, D.C., para organizar su propia exposición de Tut. J. Carter Brown, el director de la galería, ya había recibido la aprobación de Sadat y el ministerio de cultura egipcio para albergar a Tut en 1977 o 1978. Ahora que Tut se había convertido en parte de la estrategia diplomática de Nixon, Brown no estaba seguro de qué papel podría desempeñar la Galería Nacional. o debería jugar. Sin embargo, ofreció los servicios de la National Gallery como institución organizadora.

Thomas Hoving, director del Met, también entró en la refriega. Hoving no pensó mucho en el uso de Tut por parte de Nixon como una herramienta diplomática, pero cambió de opinión después de que Kissinger hablara con C. Douglas Dillon, el presidente de la junta de fideicomisarios del Met. De su conversación con Kissinger, Dillon creía que el Met podría perder el acceso a las subvenciones federales si no participaba activamente en la organización de la exposición Tut. Hoving, que tenía un don para lo dramático, afirmó más tarde que Kissinger amenazó con auditar sus impuestos si no mostraba más interés. Pronto, Hoving se sumergió hasta las rodillas en sus propias negociaciones con los egipcios.

Tener a la Galería Nacional y el Met compitiendo por organizar el Tut muestra negociaciones complicadas en El Cairo. Los museos habían competido durante décadas, pero la rivalidad entre Brown y Hoving era personal. A ninguno de los dos le gustaba perder, y Brown había superado sistemáticamente a Hoving en la obtención de espectáculos internacionales. Después de que la Galería Nacional venciera al Met para albergar otra muestra de arte de distensión, "Los tesoros arqueológicos de la República Popular China", Hoving prometió no volver a perder otra gran exposición ante Brown.

En la primavera de 1975, el Departamento de Estado le preguntó a Brown si la Galería Nacional se haría a un lado y dejaría que el Met coordinara la exposición. La ofensiva de hechizos de Hoving durante un año en El Cairo había obrado su magia. Brown estuvo de acuerdo, siempre que la exhibición de Tut se abriera en la Galería Nacional, de acuerdo con sus estatutos, y el Met no recibió crédito como iniciador de la exhibición. Esperando que se le negara al Met la oportunidad de inaugurar la exposición —Brown había logrado una vez más superarlo—, pero se calmó cuando se dio cuenta, como escribió en sus memorias, “que ser el último era mejor que ser el primero: los visitantes inundar a la última oportunidad de ver el espectáculo ".

A fines de octubre de 1975, Kissinger y el ministro de Relaciones Exteriores de Egipto, Ismail Fahmy, firmaron un acuerdo en el que se describe la exhibición. “Treasures of Tutankhamon” comenzaría en Washington, DC, viajaría a Chicago, Nueva Orleans, Los Ángeles y Seattle, y terminaría en Nueva York. Cada museo albergaría durante cuatro meses, con dos meses intermedios para el embalaje, el viaje y la instalación. Los egipcios tenían la última palabra sobre la selección de museos. Al hacer que el espectáculo de Tut recorriera seis ciudades, los estadounidenses también vencieron a los soviéticos, que es exactamente lo que quería Nixon. Cuando "Treasures of Tutankhamon" recorrió la Unión Soviética, visitó solo tres: Moscú, Leningrado y Kiev.

Después de ver una copia del presupuesto de la exposición Tut de 1972 del Museo Británico, Hoving y Brown comenzaron a preocuparse. Los costos del seguro por sí solos eran asombrosos, sin mencionar el personal adicional y el apoyo logístico requeridos. La ayuda apareció en el frente de los seguros cuando el Congreso aprobó la Ley de indemnización de arte y artefactos, en diciembre de 1975, para ayudar a cubrir los costos de seguro relacionados con la celebración de exposiciones internacionales. “Treasures of Tutankhamon” se convirtió en la primera exhibición de arte internacional indemnizada bajo la nueva ley.

Una subvención de NEH al Met en el verano de 1976 ayudó a sufragar los costos iniciales de la organización del espectáculo. El Robert Wood Johnson Jr. Charitable Trust y Exxon juntos igualaron los $ 250,000 proporcionados por NEH.

Montar un espectáculo

Con un acuerdo oficial en vigor, el Met y sus museos asociados tenían menos de un año para diseñar y montar la exposición. Christine Lilyquist, curadora de arte egipcio del Met, eligió los cincuenta y cinco objetos para la exposición en consulta con Hoving y el personal del Museo de El Cairo. El Met también envió a Lee Boltin a Egipto para tomar fotografías en color para un catálogo, que I. E. S. Edwards, recién retirado como Guardián de Antigüedades Egipcias en el Museo Británico, accedió a escribir.

Hoving creía que una vez que los visitantes pasaban de la etapa de "ooh", la exposición necesitaba proporcionar un contexto para los objetos. William J. Williams, del departamento de educación de la National Gallery, se asoció con David Silverman, un egiptólogo del Field Museum, para escribir el texto de la pared y seleccionar imágenes del archivo de fotografías de Burton del Met.

Cuando los arreglos para transportar los artefactos de Tut a los Estados Unidos se volvieron irremediablemente confusos, la Marina de los Estados Unidos acudió al rescate. El USS Milwaukee recogió el tesoro en Alejandría, Egipto, y lo entregó en Nápoles, Italia, al USS Sylvania, que lo entregó a Norfolk, Virginia, a principios de septiembre de 1976.

Cada museo recibió los mismos objetos, texto mural y fotografías de Burton. También acordaron organizar la exposición en torno al diseño de la tumba. Más allá de eso, eran libres de dar su propio giro a la presentación. La Galería Nacional optó por un enfoque sobrio que mostraba los artefactos de oro contra paredes saturadas, mientras que el Met y el Museo de Arte de Seattle se basaron en las fotos de Burton para recrear la tumba de Tut en la puesta en escena.

En cada museo, la exposición se abrió con un pasaje que imitaba la caminata que hizo Carter, de regreso en el Valle de los Reyes, desde los escalones hasta la segunda puerta. Los visitantes vieron a Tut primero como una figura de madera pintada que lo representaba como el dios del sol: ojos oscuros intensos, labios carnosos y un cráneo alargado. La figura, que habría permitido que Tut renaciera continuamente como el dios del sol, aparece aquí porque Carter la descubrió debajo de los escombros en la entrada, probablemente arrojada por ladrones cuando salían corriendo.

Desde aquí, los visitantes avanzaron hacia la antecámara. Un cofre portátil hecho de maderas rojas y ébano es el único ejemplar de este tipo que sobrevive del antiguo Egipto. Una silla para niños, utilizada por Tut cuando era niño, presenta paneles dorados. El Tut mayor se habría sentado en la silla ceremonial, que tiene patas que se convierten en las de un león y una espalda tallada que representa a Je, el dios de la eternidad. Láminas de oro, impresas con jeroglíficos, escenas de dioses y reyes, buitres y flores, cubren el exterior de un santuario dorado. Los arqueólogos creen que el santuario, que mide veinte pulgadas de alto, estaba destinado a conmemorar la coronación de Tut y mantener su dominio en el más allá.

Cuando llegó el momento de abrir la cámara funeraria, Carter una vez más hizo un pequeño agujero y miró adentro, usando una luz eléctrica, antes de quitar toda la puerta. “Una vista asombrosa reveló su luz, porque allí, a un metro de la entrada, extendiéndose hasta donde se podía ver y bloqueando la entrada a la cámara, se encontraba lo que en apariencia era una sólida pared de oro”, escribió. Cuando retiró la puerta, descubrió que no era una pared, sino un gran santuario que contenía el sarcófago de Tut.

El santuario y el sarcófago no viajaron a los Estados Unidos, pero sí los elementos de la cámara funeraria, incluidos algunos que adornaban el cuerpo momificado de Tut. Un león tallado en alabastro posado sobre un frasco de ungüento decorado con escenas de animales en combate. Una representación en oro macizo de tres pulgadas y media de un Tut de pie, con corona y falda escocesa, coronaba un bastón de oro de cuatro pies. Treinta plumas de avestruz marrones y blancas habrían llenado un abanico en relieve dorado que representaba una caza de avestruces, pero los insectos las habían devorado en gran medida cuando Carter entró en la tumba.

Cuando Carter abrió el sarcófago de Tut, encontró tres ataúdes, uno dentro del siguiente. El cuerpo momificado de Tut yacía en el ataúd final, una máscara funeraria que cubría su cabeza y la parte superior del cuerpo. La máscara, que a pesar de todo su brillo dorado hace que parezca que el niño-rey aún vive, se ha convertido en sinónimo de Tut. La obsidiana y el cuarzo crean sus ojos conmovedores, mientras que el lapislázuli dibuja sus pestañas y cejas. Una barba falsa aparece debajo de sus labios carnosos, con trenzas elaboradas con el mismo cristal azul profundo que las rayas de su tocado. Cuando un buitre brota de la frente de Tut, lo que significa su dominio sobre el Alto Egipto, una cobra se hincha junto a él, proclamando la soberanía de Tut sobre el Bajo Egipto. Un cuello ancho con incrustaciones de feldespato verde, lapislázuli y cuarzo cubre su pecho, subiendo en picado para terminar con una cabeza de halcón posada en cada hombro.

Debajo de las tiras de lino, Carter encontró un collar con un intrincado colgante que representaba a la diosa buitre de alas azules Nekhbet. Otro buitre, este en forma de un elaborado collar de oro con plumas de vidrio en tonos turquesa, lapislázuli y jaspe, extendió sus alas protectoras sobre el cuerpo momificado de Tut.

Desde la cámara funeraria, los visitantes ingresaron al tesoro, que contenía algunas de las piezas más animadas de la exposición. Un modelo de barco que medía casi cuatro pies y fabricado con una sola pieza de madera ayudó a Tut a navegar por el más allá. Una escultura de un Tut dorado lo representa de pie sobre una balsa hecha de papiro (no muy diferente a una tabla de surf), con el brazo levantado y listo para lanzar un arpón. Carter encontró los órganos de Tut en un cofre canópico de alabastro dentro de un santuario custodiado por cuatro diosas doradas, cada una de cincuenta y cuatro pulgadas de alto. Las túnicas ceñidas y ceñidas de la diosa Selket le dan un deslizamiento inesperado.

Tut tormenta América

Cuando se inauguró la exposición en la Galería Nacional el 17 de noviembre de 1976, la línea envolvía el edificio de tres cuadras de largo. Los boletos se distribuyeron todos los días, por orden de llegada, lo que llevó a las personas a hacer cola regularmente al amanecer. Para atraer a los visitantes del invierno inusualmente vigoroso, la galería serpenteaba a lo largo de todo el edificio. Aun así, una vez que llegaron a la entrada de Fourth Street NW, los titulares de boletos aún enfrentaron una espera de cuatro horas antes de poder caminar por la escalera de mármol oeste y descender a la tumba.

El presidente Carter presentó sus respetos antes de la visita de Sadat para discutir las negociaciones de paz en Oriente Medio. De pie junto a Sadat en los terrenos del sur de la Casa Blanca el 4 de abril de 1977, Carter dijo que ver a Tut fue "una de las experiencias más emocionantes que he tenido".

Los miembros del Congreso desfilaron, al igual que la realeza de Hollywood. Elizabeth Taylor, que había interpretado a la legendaria Cleopatra, asistió a la exhibición con su esposo, John Warner. También lo hicieron Robert Redford, Marisa Berenson, Rex Harrison, William Holden y Stefanie Powers. Andy Warhol y Richard Avedon también acecharon a Tut.

Cuando la exhibición se cerró el 15 de marzo, más de 835,000 personas habían visto Tut, más que la población de Washington, D.C. Aunque fue un éxito certificado, la exhibición agotó los recursos de la galería, requiriendo personal y seguridad adicionales. Los teléfonos dejaron de funcionar a la mitad. Los pisos de madera y mármol de la galería sufrieron daños por los innumerables pasos. Al final de cada día, conejitos de polvo del tamaño de plantas rodadoras acechaban en los rincones.

Los visitantes gastaron $ 100,000 a la semana (en dólares de 1976) en souvenirs. Al salir del programa, entraron en una tienda con trescientos artículos con el tema de Tut desarrollados por el Met. Había libros para colorear, carteles y postales, junto con una bolsa de mano Tut. La colección de joyas inspirada en Tut llegó a las cien piezas. Hermès diseñó una bufanda de edición limitada, mientras que Limoges produjo un plato de porcelana adornado con un halcón. También hubo una reproducción de $ 1,500 de la diosa Selket. Los beneficios de la venta de mercancías se destinaron al trabajo de la Organización Egipcia de Antigüedades, en particular a las renovaciones del Museo de El Cairo.

Desde Washington, la exposición se trasladó al Museo Field de Historia Natural de Chicago, donde los funcionarios dieron la bienvenida con nerviosismo al faraón y sus pertenencias. El museo instaló una nueva centralita, organizó más personal y voluntarios, ideó un sistema de venta de entradas diferente y actualizó su sistema de seguridad.

La gente comenzó a hacer fila a las cinco de la mañana del 15 de abril de 1977. Un grupo de amigos llegó después de un recorrido nocturno por los bares. Uno yacía en los escalones del museo "momificado" de la cabeza a los pies en papel higiénico. A las nueve en punto, dos mil personas estaban esperando. Cuando el Field Museum detuvo las ventas a la 1:30 p.m., había emitido 8.547 boletos numerados. Los visitantes que recibieron las últimas entradas se enfrentaron a una espera de siete horas, pero podían recorrer el resto del museo antes de llegar a ver a Tut.

A mediados de junio, el museo comenzó a ondear una bandera dorada, adornada con una máscara de King Tut, en el lado norte del edificio para indicar la disponibilidad de boletos para los automovilistas en Lake Shore Drive. Cuando se redujo a la mitad del personal, los boletos para el día se acabaron. Por lo general, la bandera bajaba antes del mediodía.

Para complementar la exhibición de Tut, el Instituto Oriental de la Universidad de Chicago organizó "La magia del arte egipcio", una exhibición patrocinada por NEH. La muestra contó con treinta y siete objetos utilizados para embalsamar a Tut, junto con ejemplos de escritura egipcia, retratos y artículos religiosos. Antes de la llegada de Tut, el Instituto Oriental también patrocinó una serie de conferencias gratuitas, con el apoyo de NEH, que cubrían todo, desde la momificación hasta la historia de la XVIII Dinastía.

No todo el mundo en Chicago se enamoró de Tut. El novelista más vendido Andrew Greeley se lamentó en el Chicago Tribune que en la prisa por ver a Tut, la gente ignoraba las obras maestras del Instituto de Arte. "Siento que es de mal gusto congregarse como ovejas para ver un conjunto de tesoros artísticos e ignorar todos los demás". los Chicago Tribune, sin embargo, calificó a Tut como "un gran jonrón para la cultura".

El lunes 15 de agosto, cuando el último visitante, Keith Feiler, un profesor de inglés de Elmhurst, pasó por la exposición, el personal solicitó su ayuda para recrear un antiguo ritual egipcio. Después de que los altos funcionarios egipcios colocaron todos los artículos en la tumba de un faraón, barrieron sus huellas al salir. Usando una réplica de una antigua escoba egipcia, Feiler ayudó a barrer las huellas de los 1,35 millones de personas que habían venido antes que él.

Desde Chicago, Tut se mudó a Nueva Orleans, desde el 15 de septiembre de 1977 hasta el 15 de enero de 1978. John Bullard, el director del Museo de Arte de Nueva Orleans, confesó haber tenido “pesadillas” antes de su llegada. El museo nunca había albergado nada que rivalizara con Tut. Un mes antes del debut de la exposición, las entradas para grupos se agotaron. El museo también dejó de ofrecer membresías, que incluían el acceso a la exposición, luego de que las suscripciones aumentaron de 3.000 a 12.000.

Cuando Tut abrió, la línea serpenteaba hacia City Park. El museo erigió un dosel a rayas sobre la acera para proporcionar sombra. También se colocaron cerca de allí dieciséis "Tutlets" portátiles. Lelong Drive, que conduce a los escalones de la entrada del museo, estaba pintado de azul Nilo y el hotel Fairmont sirvió hamburguesas esfinge, ensaladas de la reina Nefertiti y cuencos de gumbo de Ramsés. El museo también utilizó una subvención de NEH para ofrecer una serie de programas públicos sobre Tut y la historia de Egipto.

Bourbon Street tampoco pudo resistirse a Tutmania. Mientras vestida como una diosa egipcia, la legendaria bailarina de burlesque Chris Owens se abrió paso a través de una rutina llamada "El juguete favorito del faraón".

Cuando se cerraron las puertas, 870,594 personas habían visto el programa y gastaron $ 75 millones en la ciudad. El museo despidió a Tut con un funeral de jazz.

El espectáculo viajó junto a Los Ángeles, donde se desarrolló del 15 de febrero al 15 de junio de 1978. Las tarifas se dispararon rápidamente en todos los estacionamientos que rodean el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. Los revendedores de entradas se pusieron a trabajar. Para manejar las multitudes, LACMA ofreció boletos por adelantado a $ 2 cada uno, que se agotaron semanas antes de la llegada de Tut. Para el día de la inauguración, los revendedores vendían boletos a $ 35 cada uno.

LACMA construyó una Tut Shop en la plaza fuera del museo. Frederick Cole, un contratista de mano de obra que fue testigo de la manía por Tut cuando visitó Nueva Orleans, instaló su propio Tut Shoppe en Wilshire Boulevard junto a LACMA. "Simplemente me di cuenta de que aquí es donde estaba", le dijo al New York Times.

Cuando llegó el momento de empacar la exposición, el museo dio a la Los Angeles Times un asiento de primera fila para el minucioso proceso. No importa cuán amables fueran los curadores, el proceso de empaquetado y exhibición tuvo un costo en los objetos. Los curadores del Museo de El Cairo evaluaron los artículos en busca de daños y se hicieron reparaciones antes de guardar los artefactos en contenedores especiales. Al llegar a la siguiente ciudad, se repitió el proceso. “Aprendes las peculiaridades de la personalidad de cada pieza: qué tan fuertes son, qué pueden tomar y qué no. Es como estar casado, con cincuenta y cinco esposas ”, dijo Yale Kneeland, un conservador que supervisó el proceso de empaque en nombre del Met.

Desde Los Ángeles, Tut viajó hacia el norte y abrió en el Pabellón de la bandera del Seattle Center el 15 de julio de 1978. Construido para la Feria Mundial de 1962, el pabellón fue renovado para albergar la exposición con la ayuda de una subvención de $ 1.2 millones de la Administración de Desarrollo Económico federal. El Museo de Arte de Seattle, la institución patrocinadora, carecía de las instalaciones necesarias.

A diferencia de Los Ángeles, que atrajo a la mayoría de sus visitantes de los alrededores, el espectáculo en Seattle se basó en gran medida en los turistas. Los boletos para los paquetes turísticos se pueden comprar con anticipación. De lo contrario, los boletos numerados ($ 1 para un adulto y 50 centavos para estudiantes y personas mayores) se vendieron todos los días a partir de las 8:30 a.m. Los monitores alrededor del Seattle Center y el centro mostraban los tiempos de espera y la disponibilidad de boletos. En noches selectas, el museo ofrecía visitas privadas a grupos, como la Junior League y Boeing, por una prima de $ 7.50 a $ 10 por persona. Después, los visitantes subieron a la cima del Space Needle y bebieron cócteles inspirados en Tut. Cuando partió hacia Nueva York, 1,29 millones de personas habían visto la máscara funeraria de Tut en Seattle.

Después de organizar la exposición y verla cautivar al público desde lejos, el Met finalmente tuvo su momento. Para manejar las multitudes y evitar que la gente se congele en la fila durante el invierno de Nueva York, el Met ofreció sus boletos gratis a través de Ticketron, que cobraba una pequeña tarifa de servicio. Salieron a la venta en una lluviosa mañana de septiembre, y la línea se extendía a lo largo de la Quinta Avenida desde la calle 80 hasta la 59. Los boletos se agotaron en seis días, pero cuando una agencia de Nueva Jersey anunció boletos de Tut por $ 20 cada uno en el New York Times, enfrentó acciones legales. El scalping era ilegal en ambos lados del río Hudson.

Durante la carrera de Tut desde el 15 de diciembre de 1978 hasta el 15 de abril de 1979, 633,500 visitantes de fuera de la ciudad llegaron a la ciudad de Nueva York, inyectando $ 110 millones a la economía local. Cuando el Met cerró sus puertas a la exposición, 1,27 millones de personas habían contemplado los objetos que el museo había ayudado a excavar a Howard Carter más de cinco décadas antes.

Tut, Tut, Rey Tut

Cuando finalizó el show de Tut en el Metropolitan, Steve Martin se lamentó Sábado noche en directo sobre cómo “lo hemos comercializado con chucherías y juguetes, camisetas y carteles”. Vestido como un faraón de una tienda de diez centavos y respaldado por una banda ataviada con atuendos egipcios y dos bailarines giratorios, Martin entregó lo que se convirtió en una rutina icónica: “(Rey Tut) (Rey Tut) / Ahora, cuando era joven, / Él nunca Pensó que vería (Rey Tut) / La gente hace fila para ver al niño rey. (King Tut) / ¿Cómo te volviste tan funky? " A mitad de la canción, un saxofonista vestido de Tut de pies a cabeza emergió de un sarcófago en el centro del escenario. Mientras tocaba la melodía de la canción, Martin colocó una licuadora frente a él como ofrenda.

Si bien Nixon y Kissinger querían la exhibición de Tut por razones diplomáticas, no se podía negar, como Martin tan hábilmente señaló, que la exhibición generó dinero para los museos anfitriones, los minoristas inteligentes y las economías locales. La exposición también capturó la imaginación del público estadounidense, haciendo de Tut y sus encantadores tesoros parte del zeitgeist cultural de la década de 1970.

Los expertos en cultura intentaron explicar el atractivo de Tut. ¿Presentaron los decadentes tesoros de oro un antídoto para la década de 1970 con problemas de liquidez? ¿Estábamos simplemente fascinados por las momias y las prácticas funerarias egipcias? Una encuesta realizada por la Galería Nacional informó que el 82 por ciento de los asistentes se sintieron atraídos por "la belleza de las obras de arte" y el 72 por ciento por "la edad de las obras de arte". Mientras tanto, el 62 por ciento profesaba un "interés en la arqueología y el antiguo Egipto". Solo el 15 por ciento afirmó haber venido por la publicidad.

"Treasures of Tutankhamon" trajo varios beneficios con sus multitudes de gran tamaño. Obligó a los museos a diseñar nuevos sistemas de venta de entradas para espectáculos populares. La calidad y el éxito del merchandising establecen un estándar para futuras exposiciones. También ayudó a los museos a ampliar sus listas de miembros e interactuar con sus comunidades de nuevas formas. Si los espectáculos de gran éxito son buenos para los museos o no, sigue siendo un tema controvertido. Un estudio del Smithsonian de 2001 señaló que mientras atraen gente a los museos, los éxitos de taquilla agotan al personal, agotan los recursos que podrían gastarse en la comercialización de las colecciones permanentes y crean un ciclo de membresía de “auge y caída”.

Al permitir que los artefactos de Tut recorrieran los Estados Unidos, el gobierno egipcio recaudó $ 9 millones para financiar las renovaciones que tanto necesitaban en el Museo de El Cairo. Hoving, quien renunció como director del Met en 1977, ayudó a planear una revisión. Si bien los visitantes del museo a principios de la década de 1980 notaron mejoras en la forma en que se exhibían y etiquetaban los objetos, Hoving se quejó en sus memorias, publicadas en 1993, de que los planes más amplios para reorganizar el museo y capacitar al personal para mantener sus colecciones se habían estancado. Después de discutir al respecto en el comité durante quince años, los egipcios continuaron en desacuerdo sobre cómo preservar y presentar mejor el legado de Tut.

Meredith Hindley es escritora senior de Humanidades.

Información de financiación

El Museo Metropolitano de Arte recibió una subvención de contrapartida de 250.000 dólares para apoyar los "Tesoros de Tutankamón". The University of Chicago’s Oriental Institute received $108,894 to support a series of public programs on Egyptology and to support an exhibition, “The Magic of Egyptian Art.” The New Orleans Museum of Art received $97,492 to support an Egyptology lecture series. Sources: Material for this article was drawn from the archives of the Metropolitan Museum of Art and the National Gallery of Art.


Summer Institute Faculty

Our instructors are award-winning Sotheby's Institute faculty, recognized thought leaders and professional experts in the international art world who have extensive online teaching experience. Each faculty member structures their course around real-time conversations defining their professions and helps students master the unique forces at play in the art world.


Remembering Ian Jenkins, a scholar and British Museum curator who enriched all who met him with his passion for classical Greece

It was Ian Jenkins’s mother, Lena, who suggested he should apply for the post of a junior research assistant in the department of Greek and Roman antiquities at the British Museum. On his appointment in 1978, he arrived at the grand portals in Bloomsbury, central London, in his Wiltshire boots, the tools of his recent experience as an apprentice stonemason slung in his belt, only to discover that the job was rather more academic than anticipated. He began as he intended to go on, turning tasks that others considered humdrum into gold mines of academic and public interest. Nimbly sidestepping internal conflicts and rivalries, he built collegiate teams within the department of Greek and Roman Antiquities, the department of prints and drawings, the British Museum Education Service, the Joint Association of Classical Teachers, the Hellenic Society and far beyond.

By the end of his life, Jenkins’s networks of colleagues, friends and students embraced much of Europe, North America and East Asia. Regarded abroad as the embodiment of the eccentric English gentleman, Jenkins was possessed not only of a natty dress sense but also a rapier-sharp wit with an unrivalled talent for mimicry, both mercilessly employed to puncture the pomposity of his colleagues and, occasionally, himself.

Born and educated in Chippenham, Wiltshire, Jenkins worked with the archaeologist Philip Crummy on the widely admired excavations of the first capital of Roman Britain at Colchester before entering Bristol University where he studied Greek with archaeology and history, and his teacher John Gould became a lifelong influence. “I felt as if I had been let into the garden of delights and everything was in bloom,” he said of his experience of learning ancient Greek, in a 2018 interview with Caroline Mackenzie of the Hellenic Society’s magazine Argo. “Anything was possible. ”. Regarding himself as a lifelong “good citizen” of the British Museum, Jenkins nurtured in himself and others a sense of wonder at the achievements of the classical world. He relished the potential to explore the ancient Greeks in “an institution where all cultures are shown but none is privileged, and all religions are represented but none is preached”.

His first task was to co-ordinate the work of several curators on the Greek and Roman Life Room. Over 70 years, the focus of this once-revolutionary display had moved from a thematic account of ancient societies to a somewhat banal material presentation, largely of “minor objects” in table and wall cases. Under Jenkins’s direction, many of the original themes and exhibits were revived and new subjects were introduced. The project fizzed with intellectual energy: for at least two weeks we enjoyed the prospect of a structuralist life-room, and London’s ancient historians and philologists were moved to tears as their papers on such questions as the legal evidence for the confinement of women in classical Athens were addressed, for the first time in living memory, using the material evidence of the British Museum’s collections. Three curators, including Jenkins, wrote academic papers of lasting impact from this experience. He also produced a book, Greek and Roman Life (1986), and several teachers’ guides of enduring value for young visitors to the gallery.

I felt as if I had been let into the garden of delights and everything was in bloom. Anything was possible Ian Jenkins, on learning ancient Greek

Nurturing a growing interest in the history of collecting, Jenkins wrote a PhD thesis for the University of London on the history of the British Museum’s ancient sculpture collections, published in 1992 as Archaeologists and Aesthetes in the Sculpture Galleries of the British Museum 1800-1939. “The museum had forgotten its own history”, he observed, and the laborious process of documentary recovery placed him in a unique position to research and redisplay its collections of classical and Hellenistic sculpture. Later in the same decade he co-curated with Kim Sloan a brilliant exhibition telling the story of Sir William Hamilton’s 18th-century collection of antiquities, Vases and Volcanoes. Their expertise informed and enlivened the museum’s Enlightenment Gallery, a challenging transformation of the former King’s Library into a display space for the early collections.

Jenkins was also pursuing Charles Newton’s mid-19th-century discoveries at Cnidus, summarised in the National Archives project Return to Cnidus: excavations in south-west Turkey. In this project he was able to marry his own early experience in field archaeology with his mission to understand classical sculpture in its architectural context, published as Greek Architecture and its Sculpture (2006).

Jenkins was protean in his interests, but closest to his heart lay the Parthenon sculptures. He set about improving the British Museum’s presentation of these masterpieces to the public. In 1998, I told him that I had 20 minutes to road-test his new audio guide, but two hours later I was still wandering the gallery, enraptured by his account. For the first time, audiences with impaired sight were able to follow a touch-tour in the adjacent slip-rooms. Jenkins’s braille book, Second Sight of the Parthenon Frieze (1998), composed with his late colleague, the artist Susan Bird, was his proudest achievement. The process of redrawing the frieze for presentation in braille clarified our understanding of how the mounted figures in the procession were arranged in groups of six, each led by a marshal. There was, too, the vexed question of the original appearance of the sculptures. “There has been a collective conspiracy in every generation to forget that ancient sculpture was painted,” Jenkins noted. His successful attempts to redress that lapse are brilliantly captured in a British Museum video, Egyptian blue on the Parthenon sculptures, made in 2014 with the scientist Giovanni Verri.

Alas, Parkinson’s disease struck this enormously energetic man in his early fifties. In 2005 he married his beloved partner, Frances Dunkels, and continued to work unabated at the museum, with generous support from ever-appreciative colleagues. Among other major exhibitions, with his collaborator Celeste Farge and Bénédicte Garnier of the Musée Rodin, Paris, Jenkins co-curated in 2018 Rodin and the art of ancient Greece, a brilliant synthesis of archival research and thoughtful, low-level display, the latter helping the visitor to understand the three-dimensionality of sculpture. He returned to Turkey for his final project, The Romance of Ruins: The search for Ancient Ionia, 1764, which is scheduled to open at Sir John Soane’s Museum, in London, on 3 March (until 31 May). He was correcting the proofs of the catalogue in the week of his death.

Susan Walker was Keeper of Antiquities at the Ashmolean Museum, Oxford, in 2004-14. She joined the British Museum as Assistant Keeper of Greek and Roman Antiquities in 1977, becoming Deputy Keeper in 1995


Curator’s tour of the British Museum's Egyptian Sculpture Gallery - History

Academia.edu no longer supports Internet Explorer.

To browse Academia.edu and the wider internet faster and more securely, please take a few seconds to upgrade your browser.

Dr Imma Ramos is responsible for the curation, presentation, development and research of the medieval to modern South Asian and Himalayan collections at the British Museum. This includes sculpture, painting, works on paper, decorative arts and photography.

Her research interests revolve around the relationship between religion, politics and gender in South Asian visual culture. She has special interests in Tantric material from India, Nepal and Tibet (8th century onwards), Rajput and Mughal painting (17th-19th century), and the colonial and postcolonial periods (18th-20th century).

Imma completed her BA, MPhil and PhD at the University of Cambridge. Her first book, Pilgrimage and Politics in Colonial Bengal: The Myth of the Goddess Sati (2017), examined an ancient network of pilgrimage sites dedicated to Sati, which provided the basis for an emergent territorial consciousness during the late 19th century.

She is the curator of the forthcoming exhibition, Tantra: Enlightenment to Revolution (24 September 2020 – 24 January 2021), and the author of its accompanying book which presents the first historical exploration of Tantric visual culture from its origins in India to its reimagining in the West.

Curator of the medieval to modern South Asia displays in the new Sir Joseph Hotung Gallery of China and South Asia (opened November 2017), including sections dedicated to the Pala and Eastern Ganga periods in eastern India the history of Tibet and Nepal, and the Sultanate, Mughal, colonial and postcolonial periods.

Curator of the Asahi Shimbun Room 3 display, Virtual pilgrimage: reimagining India’s Great Shrine of Amaravati (August – October 2017). For more information on the display, see: Ramos, I. ‘The Power of Patronage at the Great Shrine of Amaravati,’ The British Museum Magazine (Summer/Autumn edition 2017), pp.30-31.

Curator of the British Museum UK Spotlight Tour, Music of Courtly India (May – June 2017, Derby Museum & Art Gallery June – August, Blackburn Museum & Art Gallery), featuring Rajput and Mughal ragamala paintings and an ivory sarinda from the Deccan.

Co-coordinator of the Global, Local & Imperial Histories Museum Research Group (2016-18) and co-organiser of the Exhibiting the Experience of Empire symposium (March 2018) exploring how experiences of European imperialism, with a focus on the British Empire, can be researched and exhibited through objects.

Coordinator of the Asahi Shimbun Room 3 Displays (2017-18): 'On violence and beauty: reflections on war' (Nov 2017-Jan 2018) 'A revolutionary legacy: Haiti and Toussaint Louverture' (Feb-Apr 2018) 'The past is present: becoming Egyptian in the 20th century' (May-Jul 2018) 'What is Europe? Views from Asia' (Aug- Oct 2018) 'No man’s land' (Nov 2018 - Jan 2019) 'Feeding history: the politics of food' (Feb-May 2019), and 'Collecting histories: Solomon Islands' (Jun-Sep 2019).


Online Exhibitions at Uffizi Gallery

Uffizi Gallery houses the art collection of one of Florence, Italy’s most famous families, the de'Medicis. The building was designed by Giorgio Vasari in 1560 specifically for Cosimo I de'Medici. Now the visitors can wander its halls from anywhere in the world and discover the masterpieces of their collections and their history, using captivating descriptions and HD pictures.

There is a range of online exhibitions to choose from, from On Being Present: Recovering Blackness in the Uffizi Galleries, an exhibition which is part of the Black History Month Florence program, and In the Light of Angels, a journey through 12 masterpieces of the Uffizi Galleries, between human and divine, to Following in Trajan’s Footsteps, a virtual exhibition on the precious relics and unique items from the reign of Trajan present in the Uffizi collections, and New languages to communicate tradition: Vanished Florence, featuring images of the city in the 18th and 19th centuries, before it became the capital of the Kingdom of Italy.


Bristol Museum & Art Gallery

Free entry! Explore our collections of art, nature and history on display in this beautiful building. Find out about the last billion years of Earth’s history, explore the region’s natural wonders and discover more about peoples’ lives, past and present.

Visitor information

Bristol Museum & Art Gallery has reopened!

Take a look what’s on and start planning your visit. Please book your visit in advance to guarantee entry.


Ian Jenkins studied at the University of Bristol where he read Ancient Greek with Archaeology and Ancient History. He joined the British Museum in 1978, receiving his PhD from the University of London in 1990. [3]

Jenkins had responsibility for the ancient Greek collections at the British Museum. At the Museum he wrote his doctorate on the collection history and reception of the British Museum's Egyptian, Assyrian and Classical sculptures. His thesis was published by the British Museum in 1992 as Archaeologists and Aesthetes in the Sculpture Galleries of the British Museum 1800–1939. [4]

Jenkins divided his research interests between Greek architecture and sculpture and the history of the reception of Classical art and architecture in the modern era. His work on the history of collecting included studies on the Paper Museum of Cassiano dal Pozzo and the archive of documents and drawings compiled by the 18th-century antiquary and collector, Charles Townley, which came into the museum's possession in the 1990s.

Jenkins curated many of the permanent galleries at the British Museum including Greek and Roman Life (Room 69), Hellenistic World (Room 22), the Parthenon galleries (Room 18), and the display of the Bassae sculptures in the British Museum. He was a major participant in the team responsible for the Enlightenment Gallery (Room 1). He co-curated the special exhibition "Vases and Volcanoes" in 1996, on the life and collection of Sir William Hamilton and his circle. [3]

In 1998, Jenkins worked on finding ways to make the Parthenon Frieze accessible to visually impaired people. [5] He lectured about this and the new archaeological insights that the project had brought about when he was the Samuel Henry Kress lecturer in ancient art for the Archaeological Institute of America in the same year. He was simultaneously a visiting professor at Cornell University.

In 2008, Jenkins co-curated an exhibition about the ancient Olympic games for the 2008 Summer Olympics in Beijing. [3] The exhibition visited Shanghai and Hong Kong. This exhibition was to form the basis of the British Museum's current international touring exhibition, 'The Body Beautiful in Ancient Greece'. [6]

Jenkins led the British Museum's excavations at Cnidus (Knidos) in Turkey, a site visited by various scholars in the 19th century. Published reports have appeared in Anatolian Archaeology, most recently in 2006. [7]

He died on 28 November 2020 at the age of 67. [10]

In 1999, Jenkins was asked to comment over a debate concerning the "damage" done to the Elgin Marbles. [1] He was quoted as saying, "The British Museum is not infallible, it is not the Pope. Its history has been a series of good intentions marred by the occasional cock-up, and the 1930s cleaning was such a cock-up." [11] Jenkins conceded that cleaning conducted in the 1930s by the Museum was a mistake (they used wire wool), but also claimed that the damage was being exaggerated for political reasons. [12]


Here are the best virtual museums & art gallery tours to take when stuck at home:

1. British Museum, London

Great Court, British Museum

It is the World’s first national museum opened in 1759 in the heart of London. A great source to know about human history with priceless artifacts from all over the world. Explore the Great court that has a beautiful, doomed ceiling studded with 3,212 panes of glass, where no two are the same. Other ancient wonders that you can see closely through the virtual tour are Rosetta Stone, Elgin Marbles. Egyptian mummies and some of the most prized possessions. With crazy graphics, the virtual tour becomes more intuitive.

2. The National Gallery, London

The National Gallery, London

Another hotspot among art lovers! National Gallery offers 3 virtual tours: one showcasing 18 gallery rooms, one Google virtual tour, and one showing the Sainsbury Wing. Now you can watch the panoramic view of the museum’s halls that gives the same pleasure as experienced in reality.

Using the virtual tools you can explore a wide collection of priceless masterpieces dating from the mid-13th century to 1900. There are more than 2000 publicly-owned drawings and paintings and European art from different times. Vincent van Gogh’s Sunflowers, the Virgin on the Rocks by Da Vinci, the Arnolfini Portrait by Jan Van Eyck, and J.M.W Turner’s The Fighting Temeraire are among the popular ones. The 360-view virtual touring pages covers seven exhibition spaces of Renaissance art and the Central Hall. Isn’t that enough to satiate your soul for the time being?

3. The Dalí Museum, Florida

This internationally recognized museum sustained by the culture of philanthropy features 2,400 Salvador Dalí works, including nearly 300 oil paintings, watercolors and drawings. You can explore more than 2,100 prints, photographs, sculptures, posters, textiles,and objets d’art.

It is deemed as “one of the top buildings to see in your lifetime” by AOL Travel News. Further, Architectural Digest has claimed the museum to be one of the ten most interesting museums in the world. The place will surely stimulate your mind, while stuck at home! You can also make most of the virtual tour through the free Dalí Museum App on your smartphone. Please don’t miss that geodesic glass bubble called The Enigma — crafted with 1,062 triangular glass panels!


Ver el vídeo: El museo británico